[ taken from New York Hammer Gallery 2nd solo exhibition catalog]

 Masayuki hara’s Landscape paintings of central and coastal japan achieve an uncommon- but immediately appreciable- balance between the specific details of identifiable sites and the commanding power of universal landscape forms. While from a distance, the viewer may find the compositions reminiscent of rural Maine or the mountain-fringed plains of the western United States, the nuances of texture and color,the carefully realized subtleties of architectural detail and plant life, quietly assert the geographic integrity of the paintings’ origins. The universality of their appeal is born of very self-conscious fidelity to the local truths of Japanese landscape.

 Hara’s success in evoking the experience of the infinite from the undisguised commonplace or the narrowly circumscribed depends directly on the remarkable conjunction of his coloristic subtlety and his draughtsmanly power- the latter a skill which is only rarely devoted to landscape art today. The unfolding vastness of Hara’s spaces or the gritty immediacy of sand upon the bones of a fish remind us that it was in the painstakingly drawn and The unfolding vastness of Hara’s painstakingly drawn and delicately colored works of such other intensely observant artists as the brothers van Eyck or Bellini that the western landscape painting tradition originated. It is only in the past one hundred years that landscape paintings has come almost exclusively to mean a search for painterly effect and strong, light struck color. In the stead of landscape paintings that emphasize the materiality of their own surface, Hara gives us back the materiality of the landscape itself.

 The exacting drawing and careful control-sometimes a deliberate celebration of the variability of atmospheric tone that characterize Hara’s larger landscapes give visible sensation to the tangibility of the sites he chooses: the textures of rock against foliage ; the palpable, rhythmic monumentality of the hills and plains surrounding lake Biwa; the limpid, damp embrace of morning mist. In the more intimate encounters with a single rock or a strand of grass, shells upon sand or a hayrick in the shadow, Hara’s meticulous attention to detail is set against stronger contrasts of light and shadow, without the mellowing effect of intervening atmosphere.

 But whether seen from a vantage point of birds high in the hills, or of the solitary traveller on the deserted beach, Hara’s landscapes maintains a powerful conviction in the significance of detail within the whole. It is in his ability to balance the specific and the universal that Hara’s paintings transcend their own realism, to capture in single moments the enduring mysteries on the earth they record.

 Alexandra R. Murphy

 Curator of Paintings, Sterling and Francine Clark Art Institute

 April/ 1986

 [taken from New York Hammer gallery 1st solo exhibition catalog] 

評論文（INTRODUCTION）

（ニューヨーク・ハマー・ギャラリー 第2回個展カタログより）

地上の静けさへの破壊と脅威の現実を、レフ・トルストイほど深く捉えた作家はほとんどいません。しかし、絵画についてトルストイは特別な役割を与えています。「芸術は暴力を退けるものでなければならない。そして、それを成し得るのは芸術だけである」と。

この偉大な作家の使命に対して、原雅幸の絵画は驚くべき形で応えています。原の空に雲が描かれているとき、それは大地を潤す雨を示唆するものであり、決して破壊をもたらす嵐ではありません。その雲は、すべてが豊かに、正しく配置された統一感ある風景を包み込みます。とはいえ、原の空はしばしば青く、蒸留されたかのような美しく遠く澄んだ青であり、それが原の形と色彩の両方に特徴的な「距離感」をもたらしています。原は、感情的にも物理的にも、風景の中において自らの位置を精密に選び取った、稀有な技量と卓越したコントロールを持つ画家です。その極めて意識的な配慮の結果として、森や岩や山々はそれぞれ力強い声を持ち、鑑賞者は芸術の好みに関係なく、自然と引き込まれていきます。

原が地上の現実から目を背けているわけではありません。作品の中に暴力や混沌が存在しないとしても、彼は老人の顔の皺や、水面に浮かぶやがて崩れていく枯葉、沈没船から剥がれ落ちる塗料などを丹念に描いています。原の視点では、人生の厳しさは破壊ではなく、秩序の中に存在しているのです。彼の作品はすべて同じ静けさと優しさを持った声で語られており、技法は極めて洗練され、均整の取れたリズムを感じさせます。

トルストイは「芸術とは、人類が到達し得た最も高く、最も純粋な感情を他者に伝えるための人間的行為である」と記しています。原はまさにその理念を体現する画家です。水の流れ、草の輪郭、光の神秘に深く感動し、周囲の世界に敏感に反応しています。彼の作品には、写実的な鋭さを持ちながらも、しばしば写実を損なう自己満足やメロドラマ的要素は皆無です。温かさと活力に満ちた作品群です。

1956年に大阪で生まれた原は、32歳にしてすでに多くの画家が生涯かけて目指す成果を成し遂げています。美術評論家ヘンリー・マクブライドが「ジョン・マリンは年老いて生まれ、若さを保ち続けた」と書いたように、原の技術と知識、鋭敏さと開かれた心には、まさに同じことが言えるでしょう。

— ニコラス・フォックス・ウェバー（1988年4月）

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　（ニューヨーク・ハマー・ギャラリー 第1回個展カタログより）

原雅幸の風景画は、日本の中部や沿岸地域の特定の風景の細部と、普遍的な風景としての力強さとの間に、稀でありながら即座に理解可能なバランスを実現しています。遠くから眺めると、構図はメイン州の田園地帯やアメリカ西部の山々に囲まれた平原を連想させますが、質感や色彩の微妙な変化、建築や植物の細部に至るまで丁寧に描かれたニュアンスは、これらの作品が持つ日本の風土への忠実さを静かに主張しています。その普遍性は、まさに地域の真実への意識的な忠誠心から生まれているのです。

原の作品が、ありふれた日常や限られた範囲の中から無限の感覚を呼び起こすことに成功しているのは、彼の繊細な色彩感覚と精緻な描線の力によるものであり、この2つが融合することで、現代ではまれな風景画が生まれています。魚の骨の上に広がる砂の質感や、広大に広がる空間は、かつてファン・エイク兄弟やベリーニといった観察眼に優れた画家たちによって描かれた作品と同様の厳密さと繊細さを感じさせます。近代以降、風景画は表面的な効果や強い光と色彩の表現に偏りがちですが、原の作品はそうした画面効果ではなく、風景そのものの「物質性」を私たちに取り戻させてくれます。

原の大作に特徴的な大気の微妙な変化を意図的に表現する緻密な描写と構成は、彼が描く場所の質感を視覚的に伝えます。たとえば、木の葉に触れる岩の質感、琵琶湖周辺の丘や平原に広がるリズム感のある力強さ、朝霧の湿ったやわらかな抱擁など。また、草の一本、貝殻、影に佇む干し草の山など、ごく小さな対象に向ける視線においても、光と影の強いコントラストの中で、空気感に頼らず明確に描き出しています。

高い丘から見下ろす鳥の視点でも、無人の浜辺を歩く旅人の視点でも、原の風景画には「全体の中における細部の重要性」が一貫して存在しています。具体と普遍の均衡を巧みにとることで、原の作品は写実の域を超え、地球上の永遠の神秘を一瞬にして捉えることに成功しているのです。

— アレクサンドラ・R・マーフィー（1986年4月）

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